EL ESPACIO PROGRAMACION FORO ARTE Y TERRITORIO HAZTE SOCIO BLOG CONTACTO

EXPOSICIÓN COLECTIVA
CONTRA LA REPRESIÓN
Y LA CENSURA


«No hay un uso bueno o malo de la libertad de expresión, tan sólo un uso insuficiente.»
Raoul Vaneigem, Nada es sagrado, todo se puede decir
.

Como todos los lenguajes con los que las personas comprendemos el mundo y expresamos nuestra individualidad, el arte constituye un espacio propicio para el ejercicio de la libertad y al mismo tiempo una herramienta idónea para su defensa. No es extraño, por tanto, que sea un campo de batalla frecuente en los combates contra una censura cada vez más activa.

Esta exposición reúne las obras de un conjunto de artistas que se han situado en este contexto para analizar, reflexionar, denunciar y actuar sobre una realidad cada vez más hostil a libertades básicas, como son las de pensamiento o expresión. Unos elementos, por otra parte, tan esenciales a nuestra especie, que ni en los momentos más oscuros y alienantes han podido ser erradicados, más bien todo lo contrario.

Precisamente los y las participantes de esta muestra comparten una misma premisa: la urgencia de poner frente al espejo creativo la criminalización del pensamiento y la crítica, el castigo de las ideas y la disidencia, la prohibición de la palabra y el arte independiente que estamos viviendo y sufriendo, para contribuir a frenar la deriva totalitaria que nos rodea y nos empuja hacia un nuevo fracaso colectivo.

Cómodo en la incomodidad, militante y vigilante, lúcido y/o burlón, se evidencia aquí la existencia de un arte que se posiciona a contracorriente, que decide comenzar su indagación y su discurso en el lugar exacto donde acaba lo decible, lo nombrable y lo visible, definiendo así su punto de partida y su límite, ni un milímetro atrás.

La diversidad de propuestas y formatos sumados en esta exposición colectiva ayudan a describir este paisaje indómito, con el enunciado líquido del panorama creativo contemporáneo, diverso, múltiple y coral: plástica, fotografía, fonografía, arte sonoro, fotomontaje, infografía, videoarte, multimedia, instalación, intervención…las piezas se engranan y reverberan entre sí, convirtiéndose en un sofisticado dispositivo de activación de la libertad de pensamiento y expresión que, en esta muestra, se reclaman y ejercen en simétrica y simbiótica combinación.



Del 10 de noviembre al 14 de diciembre 2018
en horario de lunes a viernes de 18.30 a 21.30 h

Inauguración: sábado 10 de noviembre / 20 h.
La inauguración contará con una performance por parte de Ramón Churruca y la música del Guitarra sin mordaza.

También nos acomparán algunos y algunas de las artistas que participan en la muestra preesentando sus trabajos





Esta exposición se enmarca dentro del proyecto Por la libertad. Burgos contra la represión y la censura.

Estamos cerca de vivir lo que llamaba Huxley, una dictadura perfecta, esa en la que los esclavos amarían su servidumbre.
Durante los últimos años estamos asistiendo a una persecución constante de la disidencia y del pensamiento libre, que hace que vivamos en una especie de “cárcel” de cristal en esta sociedad capitalista y patriarcal. Una sociedad que lo que busca como fin último es el control técnico de las conductas individuales con el objetivo de crear una nueva especie, sumisa, sometida, reprogramada genéticamente para negar así su creatividad y evolución.

Es por todo ello que nos parece importante señalar lo que está pasando y lo que está por venir, plantar cara y combatir a un totalitarismo con claros rasgos fascistas.

Diferentes colectivos de la ciudad de Burgos hemos unido nuestras fuerzas para organizar estas jornadas que hemos denominado “Por la libertad. Burgos Contra la Represión y la Censura”

TODAS LAS ACTIVIDADES CON ENTRADA LIBRE

> DESCARGA EL PROGRAMA COMPLETO DE LAS JORNADAS

> https://burgosxlalibertad.net/
> burgosxlalibertad@gmail.com





aaag

¡QUÉ BUEN DIOS!

Videocreación interactiva
2018

El primer recuerdo que tengo de ser censurado fue a los 10 años. Mi amigo Mariano me invitó a decir muchas veces !Qué buen Dios! Lo oyó mi madre desde la ventana y por mucho que se lo expliqué, no entendió nada y me castigó.
Desde esa edad no he dejado de cagarme en Dios, al fin y al cabo es el hecho diferencial castellano.

aaag
aaag (Burgos, 1970). Mis trabajos basculan entre la fascinación por lo real y la inmediatez del acontecimiento. Me gusta ser dueño de todo el proceso de creación desde la idea hasta la realización y edición de la obra, bien de forma individual, pero sobre todo de forma colectiva, que es la manera en la que me siento mas cómodo trabajando. Los temas que trato en mis obras son variados intentando superar primitivos tópicos respecto a la objetividad-subjetividad, información-reflexión, narración-discurso.



Abel Jaramillo

s/t (CONSPIRACIONES #4)

Instalación. Estructura de hierro, impresión sobre algodón, caja de munición de 1937 y polvo de bronce. 170 x 140 x 30 cms
2017

[La pieza deriva de una investigación iniciada en 2016 sobre las revueltas campesinas en Extremadura en los años 30. El 25 de marzo de 1936, entre 60.000 - 80.000 campesinos y yunteros extremeños asaltan las tierras que la república les prometía, en una reforma agraria que nunca llegaba. Este acto, esta fecha, supone un día clave en la construcción de una identidad otra en el relato sobre lo extremeño.
A partir de aquí, el proyecto se amplia hacia el contexto de los intentos previos a esta revuelta, relacionados principalmente con los colectivos anarquistas en Extremadura en los años 30] En el contexto de las revueltas anarquistas de los años 30, existía una práctica denominada Gimnasia Revolucionaria. Esta práctica consistía en una especie de ensayo de la revolución, de tentativa de proceso revolucionario, un entrenamiento.

A partir de esta idea, la pieza se compone de una estructura que toma la forma de las vallas de salto en la gimnasia, de la que se despliega un velo impreso con la imagen de unos milicianos saltando una tapia. De nuevo, la idea del salto, asaltar la historia. A los pies de la estructura, una caja de municiones del bando republicano del año 1937 llena de polvo de bronce. El bronce como parte de la construcción de las balas, como reconocimiento en la competición, el tercer puesto en la gimnasia, el orgullo en la derrota.

Abel Jaramillo (Badajoz, 1993)
Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Castilla la Mancha y la Universidade de Lisboa (Portugal) y Máster en Arte Contemporáneo,
Desarrolla su trabajo a través de la búsqueda de estrategias que alteren o subviertan la lógica habitual de entender diferentes contextos. Se interesa por las grietas de la historia, los relatos en los márgenes, cómo se producen y construyen los discursos y las tensiones políticas que se proyectan en lo cotidiano.
Su práctica se centra en las fricciones y disensos que se producen al poner en diálogo sucesos, acciones e imágenes que revelan relaciones históricas, conflictos presentes y especulaciones futuras. Mediante procesos híbridos que incluyen vídeo, instalación, performance, escultura, texto y fotografía, investiga sobre la construcción de la historia desde abajo, la producción de discursos o la relación entre relatos, territorios, márgenes y periferias.

 

Acacio Puig

ESTO FUE LA DICTADURA FRANQUISTA

Acrílico sobre lienzo. 65 x 64 cms x 3

Con esta obra testimonio una parte esencial de mi vivencia y resistencia en tiempos en que todo fue Represión y Censura, tiempos en que solo cabía desertar del miedo y combatir un régimen cruel e intoxicante.
Esa era la alternativa a seguir aterrados bajo el espectro con que los generales, el nacional catolicismo, los falangistas y el conjunto de aparatos de estado al servicio del feroz capitalismo español, aplastaban la dignidad y la vida de los pueblos de España.
El tríptico, constituido por tres pinturas independientes pero secuenciadas, realizadas sobre lienzos de 65x54, constituye mi testimonio autobiográfico de tres momentos duros vividos: Tortura, Juicio y Cárcel.
No olvidemos. Verdad, Justicia y Reparación.




Acacio Puig
Expreso del franquismo y artista plástico.



Acoustic Mirror

Oχι

Instalación sonora

Oχι se basa en el archivo de grabaciones de campo producido por Acoustic Mirror entre 2011 y 2013, y explora ciertas prácticas sonoras comunes a situaciones de movilización social.
El lenguaje opera como límite tanto para la articulación de voluntad política como para los sistemas de poder y censura - ambos encuentran en él su límite último. Y si bien es cierto que la acción política colectiva necesita articulación y precisión, muchas veces su único recurso es el de vaciar de sentido, y llevar sus acciones a un lugar por debajo del lenguaje, donde los vectores de poder no puedan alcanzarlo.

Acoustic Mirror
Kamen Nedev es artista sonoro, paseante, y agente cultural independiente. Desde 1986 trabaja e intenta vivir en Madrid.
Bajo el heterónimo «Acoustic Mirror» lleva desarrollando desde 2005 una labor de investigación y producción en fonografía, arte sonoro, y radio-arte, con un énfasis tanto en el paisaje sonoro del espacio urbano como en la producción social de sonido, la escucha situada, y la investigación sonora militante.
Su principal foco de investigación desde 2014 se ha centrado en contextos de aprendizaje, a través de diversos laboratorios dsearrollados en instituciones académicas y espacios indendientes, con un énfasis en el desarrollo de prácticas de escucha colectiva, paseos sonoros y prácticas peripatéticas, buscando los puntos de intersección entre espacio social, paisaje sonoro, y movimiento.

>
kamennedev@gmail.com
http://acousticmirror.tumblr.com
http://soundcloud.com/acoustic_mirror
http://self-noise.tumblr.com



Alán Carrasco

EL JEFE DE ESTADO EN LA ÉPOCA DE LA REPRODUCTIBILIDAD TÉCNICA

Instalación

Durante la redacción del anteproyecto de la Ley Mordaza (Ley Orgánica 4/2015, de 30 de marzo, de protección de la seguridad ciudadana) el Gobierno español intentó incorporar una sanción administrativa derivada de una infracción grave, con multas de hasta 30.000 euros, para “las infracciones graves de ofensa o ultrajes a España, sus instituciones y símbolos”, que incluía efectivamente a la Corona. El Consejo General del Poder Judicial (CGPJ) desestimó esa posibilidad, destacando en su informe final que las injurias y ataques a la Corona ya estaban recogidas como delito en el Código Penal, por lo que no hacía falta introducirlas como sanción administrativa de manera paralela.

Valiéndome de un retrato oficial del nuevo rey español, Felipe VI, –obtenido a través de Patrimonio Nacional– procedí a una serie de fotocopiados correlativos hasta que la imagen dejó de tener legibilidad como retrato. Hicieron falta 22 procesos intermedios, que se realizaron de manera totalmente automática, para que el retrato oficial dejase de ser reconocible. Haciendo un guiño a Walter Benjamin y su texto Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit de 1936, mi proyecto apunta una serie de preguntas sin respuesta: ¿Cuál de las fotografías de esa serie de copias mecanizadas de la imagen oficial de Felipe VI deja de ser un retrato oficial y por tanto puede ser destruido, volteado, quemado, intervenido, etc. sin consecuencias legales? ¿En qué momento deja de ser imagen? ¿La representación subjetiva, por ejemplo un dibujo o caricatura, puede ser considerada bajo los mismos criterios de control y persecución legal que la imagen oficial? ¿Puede una imagen irreconocible del Jefe de Estado ser ultrajada? ¿Puede encontrarse responsabilidad legal en un proceso de deformación producido en fases sucesivas por el criterio de una máquina automática?


Alán Carrasco
Es artista visual y editor de contenidos de la publicación de historia y crítica de las artes Situaciones. Es Técnico Superior en Fotografía Artística por la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Vitoria-Gasteiz, Graduado en Arte y Diseño por la Escola Massana / Universitat Autònoma de Barcelona (institución en la que ha sido también colaborador dentro de los departamentos de Procesos Contemporáneos de la Imagen y de Cultura), Máster en estudios museísticos y teoría crítica – Programa de Estudios Independientes (PEI) del MACBA, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y Máster en Literatura Comparada, Estudios Literarios y Culturales por la Universitat Autònoma de Barcelona. Actualmente cursa el programa de Doctorado en Historia del Arte de la Universitat de Barcelona.
Los puntos de interés de su práctica artística son los procesos postcoloniales, la territorialidad y su gestión y las relaciones de producción y remuneración que reflejan el actual contexto global de profundas desigualdades e injusticias debido a una serie de licencias y arbitrariedades de un sistema imperfecto. Su viaje y permanencia en Latinoamérica durante los últimos años le han permitido, además, concentrarse en las teorías postcoloniales y en las realidades de construcción de las diferentes naciones que se dieron tras el derrumbe del imperio colonial, así como la posibilidad de entender cómo los procesos de independencia fueron relativos y aún hoy día los patrones de la colonialidad siguen vigentes en muchas facetas de la vida. También presta una especial atención a los procesos históricos vinculados a la construcción e inducción de la memoria colectiva. Su trabajo artístico ha sido exhibido en Italia, España, Perú, Chile y Alemania.

 

Asunción Molinos Gordo

¡VA POR USTEDES!

Fotografía digital

Mientras que en la danza los intérpretes finalizan con una reverencia al público como señal de agradecimiento, en las artes marciales comienzan con la misma reverencia, para mostrar el compromiso de los luchadores por las reglas del juego.
Irremediablemente esta acción de inclinar el cuerpo hacia delante, tiene una lectura radicalmente distinta si se observa desde la perspectiva opuesta, donde lo que contemplamos es una serie de culos en pompa y atendemos a la subversión de un gesto servil en un gesto de protesta.

La danza es una forma de movimiento en comunidad, donde los pasos son sencillos para garantizar que el mayor número de personas participen del mensaje grupal bailado, ¿en qué consistiría la subversión de la danza actual donde pasemos del agradecimiento a la ingratitud y de la obediencia a la ruptura de las reglas del juego?

Asunción Molinos Gordo
Aranda de Duero, España, 1979. Trabaja desde una perspectiva influida fuertemente por los métodos de disciplinas como la antropología, la sociología y los estudios culturales. Utiliza la fotografía, el video, la instalación y otros medios para examinar el ámbito rural. El principal foco de su trabajo es el campesinado contemporáneo. Ha producido obra que reflexiona sobre el uso de la tierra, la arquitectura nómada, las huelgas de los campesinos, la burocracia sobre el territorio, la transformación del trabajo rural, la biotecnología y el comercio internacional de alimentos.
Asunción Molinos Gordo ganó el Premio de la Bienal de Sharjah en 2015 con su proyecto WAM (World Agriculture Museum). Su trabajo ha sido expuesto en instituciones como el el Museo de Arte de Zapopan MAZ; el Museo Carrillo Gil, Mexico; el CAB de Burgos; el MUSAC de León; Matadero de Madrid; La Casa Encendida, Madrid; el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; The Townhouse Gallery, El Cairo, Egipto; Arnolfini Centre for Contemporary Arts, Bristol, Reino Unido, Tranzit, Praga, República Checa; ART BASEL Miami; Cappadox Festival, Uchisar-Turquía; The Finnish Museum of Photography, Helsinki, entre otros.
Molinos Gordo estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y Antropología en la UNED. Vive y trabaja entre Egipto y España.



Ausín Sáinz

SALAMANCA ME MATA

Técnica mixta. 73 x 54 x 29 cms

Recurriendo a la imaginería barroco, he realizado un relicario, como si de un mártir se tratara. El elemento polémico de la censura que sufrí en Salamanca, vuelve a ser el protagonista en esta pieza, la mierda. Si antes me servía para denunciar la corrupción en España, ahora la utilizo para representar otra realidad. Pasados casi cinco años de la censura de mi exposición en la capital charra ya puedo afirmar que por suerte existe vida artística fuera de esta monumental ciudad.


Ausín Sáinz
Artista multidisciplinar, provocador y removedor de conciencias, Ausín Sáinz crea instalaciones integrales mezclando diferentes técnicas plásticas con una gran carga reflexiva y crítica. Tanto en las exposiciones de sus pinturas, fotomontajes e instalaciones como en sus intervenciones y videocreaciones convierte su propia imagen, sus experiencias y las de su entorno en fuente de inspiración para construir una obra reactiva contra la injusticia social, las ideas establecidas y los sistemas impuestos.
Formado en la Facultad Bellas Artes de Salamanca donde realizó las especialidades de Pintura, Escultura, Diseño Gráfico y Comunicación Audiovisual, Ausín Sáinz ha recorrido un largo camino desde su pasión temprana por el dibujo y la pintura hasta sus últimas videocreaciones e instalaciones urbanas. Su obra, de estética figurativa y barroca, inquietante y nada complaciente, ha podido contemplarse en numerosos espacios tanto en España como en Inglaterra, Estados Unidos, Cuba o India.



Belín Castro

VERDAD. JUSTICIA. REPARACIÓN

Los libros manipulados que se presentan en esta instalación siguen siendo el fundamento intocable con el que en el estado español se ha ido consolidando una democracia de ordeno y mando, recelosa de los disensos y negada a los diálogos que deberían darse para no acabar debatiéndose en un montón de contradicciones insuperables.
Para seguir disfrutando de sus privilegios quienes pueden actúan sin miramientos, reprimiendo y censurando todo lo que les incomoda y pone en peligro su posición, sin embargo, no dudan en mentir y eludir su responsabilidad en multitud de casos de abuso de poder, corrupción y actuaciones a espaldas de las leyes.
Vale ya de monsergas. Por una sociedad laica y no-militarista. Por la República. Porque se acaben de una vez estos cuentos que empobrecen y llenan de basura los mundos donde vivimos.




Belín Castro

Lleva años interesada en cuestiones como los aprendizajes, los medios de comunicación y la poesía. Anda a vueltas con las ideas y prácticas en torno al arte y el territorio, la ecología, la autogestión y el espacio público. Disfruta mucho de algunos libros, de la música ruidosa, la sonoridad de la vida, y de los paseos por aquí y por allá. Aborrece algunas cosas lamentables de la desmemoria y le cuadran poco algunas pijotadas de los tiempos que corren. Vive en Burgos a pesar del mucho frío.

Carlos Maté y Elena Urucatu

{}SILENCIO

Instalación sonora

No sé bien cómo definir el tipo de violencia callada que condena a una persona al silencio, a la sombra. Silencio infinito que sigue a la violencia impuesta que priva de libertad. Nuestro tiempo no es heroico, no hay gloria que valga, no hay lucha divina contra grandes dictadores, el enemigo absolutista hace tiempo que se desdibuja, que tomó una forma mucho mas indefinida e imprecisa…. un tiempo que no puede ser revolucionario porque no se enfrenta a lo que es, sino al vacío de lo que debería haber sido. Es un tiempo de silencio, de la realidad hecha una con el capital: Capital-estado que no piensa, organiza el no-pensamiento, la realidad, el consenso, la nada. El monopolio de una violencia callada y legal. No es efecto ni consecuencia de algo concreto, no se estructura de una forma concreta, es la estructura misma. No es un pensamiento sino más bien la ausencia de él, no habla, no es un lenguaje y sin embargo, se comunica donde el lenguaje fracasa, desde el silencio impuesto.

Las canciones que no han sido están hechas de nubes de historias. Son fantasmas que permanecen en un silencio imperfecto, que regresan una y otra vez a través de fragmentos casi inaudibles, de la vibración de un sonido callado, una narrativa fragmentada que nos llega a través de sonidos que no se oyen. Memoria estancada que estuvo a punto de convertirse en un argumento, una historia y que sin embargo se disipa en elementos vagabundos, en un sonido tapado entre el silencio impuesto y el silencio aceptado…… []Silencio parte de Una playlist con canciones censuradas por la democracia Española. La pieza es una construcción que reproduce estas canciones en el interior de una caja que aísla el sonido, de tal manera que apenas se pueden escuchar desde el exterior. Es un artefacto que reproduce continuamente acordes, voces que apenas se escuchan pero que simplemente no quieren irse….. que sufren de una falta de finalidad... están dejando algo incompleto.

Carlos Maté
Mi trabajo se interroga sobre las estrechas y ambiguas relaciones entre la realidad y la ficción. Utilizo una variedad de medios que incluyen la escultura, instalación, video, performance, arquitectura y diseño buscando ahondar en la grieta entre lo objetivo y lo subjetivo. Entre líneas una ambigüedad o convivencia de extremos: por un lado nuestra relación con el arte y la cultura en esta era de dependencia tecnológica,(los mecanismos y los sistemas que empleamos para clasificar el conocimiento en el tiempo de la sobreinformación) por otro construcciones individuales sobre ese mismo arte: obsesivos mundos interiores cargados de subjetividad que actúan como espejo de la ansiedad que se esconde en nuestra sociedad sobre racional
Puede que la clave de mi trabajo sea la imposibilidad de llegar a la realidad a través de lo racional. La realidad, así como el conocimiento humano se nos presenta inmensos, extraordinarios, terribles. Nos da a entender que la realidad la inventamos nosotros. A través de nuestra mente y la cultura, y sobretodo del arte, atisbamos algunas vislumbres a los que vamos dando una unidad que nos permite vivir. A través de mi trabajo intento hablar de cómo la fuerza de la creatividad puede con todo, cómo la realidad se enrarece hasta adquirir la perturbadora cualidad de la ficción. De como el arte toma sentido al ahondar en las grietas que separan lo subjetivo de lo objetivo, lo ficticio de la realidad, lo tangible y lo imaginario, entre lo que no se ve y no se mira... y sobretodo en lo que permanece oculto.

Elena Urucatu (Bucarest, 1981)
Es artista multidisciplinar que trabaja con una variedad de medios que incluyen la performance, la instalación y la escultura. Sus proyectos parten del movimiento, del cuerpo, para luego adoptar otras prácticas, sistemas y materiales que generen sus conceptos. Desde el principio, su trabajo muestra no solo la acción, sino también video y creación de objetos e instalaciones, abriendo su práctica tanto a compañeros profesionales como gente alejada del mundo del arte, buscando explorar estas relaciones a varios niveles y abriéndose a distintos campos y sobretodo profundizando en su investigación de como nuestras construcciones individuales y culturales se filtran en nuestro universo cotidiano configurando nuestra realidad.
Colaboró como performer con artistas internacionales como Juliao Sarmento, Shahar Dor, Jiri Skala, Brad Butler y Mirtza Karen en La Fundación Luis Seoane, Centro de Artes la Neomudejar, Galeria Elba Benitez, El Centro Atlantico de Arte Moderno, Centro de Arte Dos de Mayo, Fundación Dados Negros.
En 2012, junto a Carlos Maté, fundaron Carlos Maté Studio, un colectivo artístico que trabaja a través de una variedad de medios que incluyen la escultura, instalación, video, fotografía, performance y diseño. Sus trabajos exploran los mundos interiores, lo oculto, lo íntimo, lo oscuro y lo extremo que se esconde dentro de los universos personales, como bien se puede ver desde el primer proyecto presentado en el mismo año en Milán.


Daniel de Cullá

ESTOS RAPEROS

Dibujo hecho a mano en papel vegetal, con lápiz negro Stabilo y lápices de colores Milán, 26 x 16 cms.
2018




ESPERMATOZOIDE DE ORIGEN COMÚN

Dibujo hecho a mano en papel vegetal, con lápiz negro Stabilo y lápices de colores Milán, 26 x 16 cms.
2018



Daniela Ortiz

9.2.17

Impresión color sobre papel (formato variable)



Democracia

WORKING CLASS

Impresión fotográfica. 180 x160 cms



Democracia
Es un colectivo artístico constituido en Madrid en 2006. La práctica de Democracia se inicia apartir de la discusión y el enfrentamiento de ideas y formas de acción. El mismo hecho de trabajar en grupo fija un interés de intervención en el ámbito de lo social. Democracia funciona como un nodo de intereses agrupados de manera temporal bajo un mismo objetivo.

Democracia ha expuesto de forma individual en Rua Red en Dublin, Arts Santa Mónica de Barcelona, Frankfurter Kunstverein de
Frankfurt, el Hirshhorn Museum de Washington, el Station Museum de Houston, BF 15 de Lyon, MEIAC de Badajoz, St James Cavalier Centre en La Valleta o la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma. Ha participado en bienales como la de Estambul, Taipei, La Habana, Poznan y Gotteborg.

Desde la autogestión ha colaborado con la Plataforma de Artistas Antifascistas en los proyectos “Jornadas contra Franco” (Encarnacion Gónzalez 8) en solidaridad con artistas denunciados por utilizar la figura del dictador y “Monte de Estepar” (Espacio Tangente) un proyecto de exposición y crowdfunding con el objetivo de recaudar fondos para abrir fosas comunes de losrepresaliados por el franquismo en el Monte Estepar de Burgos, así como en distintas iniciativas que trabajan en la intersección entre arte y pensamiento libertario (Arte y Propaganda Libertaria, Jornadas de Arte y Creatividad Anarquista, AnARCO, Obra Alternativa).


Diego Alonso Moral

TRANSICIONIL FORTE

Instalación. Serie numerada de 100 frascos

En clave de humor e ironía se presenta un remedio eficaz y testado contra la subversión. Subversión entendida como rechazo y critica a un régimen impuesto que coarta nuestra libertad. No es cosa del pasado, o mejor dicho, no es algo que solo pertenezca al pasado.




Diego Alonso Moral
Licenciado en bbaa por la universidad de Valencia, donde realiza un master de especialización en animación.
Compagina su trabajo artístico con el de animación profesional, sus cortos de animación han viajado por multitud de festivales, destacando las selecciones en “16th Annual Crossroads Film Festival” Jackson, Mississippi, “Festival Int. de Animación FIDA” Chile, “Anim! Arte 11º International student animation festival of Brazil”, “DIECIMINUTI FILM FESTIVAL International Short Film Festival by IndieGesta” Italy, “Croq’Anime – Le festival du Film d’Animation” Paris …
En su faceta de artista ha realizado obra par diversos festivales de relevancia nacional, como “Artsur” Córdoba, “SaCyL” Salamanca o “Solariegos” Burgos.
La obra artística de Diego es variada y ecléctica, así como sus intereses temáticos, trabaja sobre gran variedad de formatos, escultura, pintura dibujo… generalmente su obra se caracteriza por un toque de humor ácido, como se puede presenciar en la obra presentada para esta muestra.

Declaración:
La censura es un hecho tangible, aunque se disfrace de justicia. Esta moralidad que se traduce en leyes, la constitución y sus interpretaciones, nos es impuesta como verdad absoluta y la senda del camino correcto. Camino que si no sigues te expones a sufrir.
Aun distinguiendo la moral impuesta de la moral “lógica”, soy un artista que actúa más cohibido de lo que le gustaría. Que, aunque soy más bocazas que probablemente la mayoría, tiene miedo de que dice y con quién lo dice. Miedo de pasar la línea de aquel camino marcado. De decir o publicar lo que piensa. Creo que el estado del miedo y la represión me saca cierta ventaja.



Elías Taño

CUANDO LAS PAREDES HABLAN,
LOS MUROS TIEMBLAN

Impresión digital. 50 x 70 cms

Este es un dibujo autoreferencial. No suelo trabajar este discurso íntimo, pero viene al caso para reflejar un episodio de represión, agresión y blanqueamiento del fascismo. Ocurrió el 22 de julio de 2018 en Valencia. Se convocó una jornada para pintar un muro en solidaridad con los jóvenes de Altsasu. El mural no duró ni 12 horas. Fue atacado por grupos fascistas de la extrema derecha valenciana (GAV, España 2000, Falange...).

Los lemas escritos en la pared eran: "Altasasukoak Aske, Llibertat joves d'Altsasu" y "Llibertat presxs polítics". En general se llamaba a la solidaridad desde el País Valenciá con estos jóvenes en particular, y con los presxs políticos de Euskal Herria y del mundo, en general. Lo primero que me sorprendió es cómo los medios mencionaban a los que habían destrozado la obra como: "ciudadanos espontáneos, personas indignadas". Lo segundo es cómo se me presentó en los medios: un "batasuno abertzale, cachorro de ETA". Y lo tercero, y no menos grave, es como la institución y los partidos políticos (excepto Podemos y el Partido Comunista) legitimaron el ataque al muro esgrimiendo que esos "ciudadanos molestos" también ejercían su libertad de expresión. Esto es, ni más ni menos, que un blanqueamiento del fascismo más puro, retrógrado, intolerante y ruin que nos toca vivir en Valencia en estos días. En la obra me centro principalmente en el papel de los medios. Yo hago una declaración solidaria e internacionalista. El poder judicial, militar y político que impone su discurso a través de los medios de masas tergiversan mis palabras, presentándome como un filoterrorista. Como escribió mi colega Escif: "cuando las paredes hablan, los muros tiemblan".

Por finalizar, me gustaría no dejar de exponer que se ha decidido eliminar la expresión "Gora ETA" (que sintetizaba el papel tergiversador de los medios respecto a mi discurso) por razones legales, y por evitar sufrir represión, tanto yo a nivel personal, como la organización de este evento. Gracias por la compresión a todxs. Y sí, como ven, nos siguen venciendo. Nada que celebrar, todo por luchar. Contra la represión, contra el fascismo... no se discute, se destruye.

Elías Taño
Dibujante sobre cualquier superficie: papel, libros, comics, carteles, ventanas, muros… proyectos sociales y políticos. Abstenerse especuladores.

>
eliastano.es

 

Engendro (Olar Zapata, Stavros Kassis y Javi Busturia)

PROYECTO CRISIS

Carteles impresos, mesa, sillas y rotuladores/lápices colores

El Proyecto Crisis / Fragmentando la pared comienza en el año 2010 como parte del Festival Perifèries de la ciudad de Valencia, y volvió a ser montado el 2016 durante la exposición AnARCO: Art llibertari vs. Art liberal. Su vocación es callejera, son carteles para ser pegados en las calles de la ciudad o pueblo donde cada engendr* que los coja los introduzca en su contexto específico, para así ser intervenidos por personas anónimas y obtener la máximas y más espontáneas respuestas sobre los temas planteados, no teniendo que ser necesariamente intervenciones de personas vinculadas al mundo del arte o del activismo. Con el resultado de todas las intervenciones haremos una publicación, así que por favor si coges un cartel y lo pegas en tu barrio/pueblo, envíanos una foto del cartel/es una vez intervenidos a la dirección engendrocolectivo@gmail.com


Engendro (Olar Zapata, Stavros Kassis y Javi Busturia)
Porque Engendro fue lo que no pudo ser, y será lo que ya nace fallido, pues acepta la decadencia propia del caldo de cultivo en el que nace. Somos ni más ni menos una obra intelectual mal concebida, de índole perversa y vocación aviesa.
El Engendro nace en el año 2008 en la ciudad de Valencia, se formuló y se ha desarrollado en el significado de trabajar colectivamente en el terreno del arte en relación al activismo social. La línea de trabajo esta determinada por la inserción de nuestr*s engendr*s en contextos específicos, donde se pretende construir un proceso de intercambio y retroalimentación con otros colectivos y agentes sociales, interrumpir el flujo social reinante con una metodología procesual en el intercambio entre emisor y receptor como nexo común de los proyectos realizados.

Eugenio Merino

ALWAYS FRANCO

Escultura

Eugenio Merino
Madrid 1975.Cuenta con diversas exposiciones individuales como Home Sweet Home en ADN Galería (Barcelona, España. 2017), Sons of Capital ( New York, USA. 2016), Will Work for Fast Food en Unix Gallery (Houston, USA. 2015), Always Shameless en Unix Gallery (New York, USA. 2014). Su trabajo se ha expuesto en museos como Station Museum de Houston (USA, 2015), Musées Royaux des Beaux-Arts de Bruselas (Bélgica, 2015), Villa Empain (Bélgica, 2014), B.P.S.22, Charleroi, (Bélgica 2010), La Térmica de Málaga (España, 2013), Castrum Peregrini de Ámsterdam (Países Bajos, 2012), Museum of Contemporary Art of Taipei (Taiwán, 2009)). Ha participado en numerosas ferias y bienales como Volta (Nueva York), Volta Basel (Basilea), ARCO (Madrid), Art Brussels, FIAC (París), Armory Show ( Nueva York), Arte Fiera (Bologna), Art BO (Bogotá), MACO (México) o Art Wynwood (Miami), o o la Cuadrienal de Riga, (Letonia 2012).



Fausto Grossi

CONTRA LA REPRESIÓN Y LA CENSURA

Impresión digital


Fausto Grossi
nació en Arce, Frosinone, Italia en 1954. Es licenciado como escultor por la A.A.B.B. de Frosinione, Italia y por la U.P.V. de Lejona, País Vasco, España. En 1992, con toda la familia, se traslada a Bilbao donde vive y desarrolla su actividad artística. Es un artista multidisciplinar e intermedia, cocinero, interprete, escritor y diseñador gráfico.
Como gestor cultural, programa la actividad de Spazio Grossi, colabora con la Bienal de Poesía Experimental de Euskadi y el Festival MEM. Es también artista correo, con trabajos en varias antologías internacionales de poesía visual. Grossi ha sido invitado y ha participado en diversos eventos culturales en Francia, España, Alemania, Portugal, Italia, Polonia, Argentina, Brasil, Estados Unidos, Serbia, China, Canadá, Filipinas, Irlanda del Norte, Vietnam, Colombia y Hungría.

El único proyecto que tengo como ser humano es vivir y todo lo que en nuestra vida llamamos proyectos son para mi solo estrategias que hacen posibles tejer el singular proyecto que es vivir.

 

Gen Rosso

CÉNTRATE,
QUERIDA CONTRIBUYENTE,
A CHITÓN

Tecnica mixta, objeto-instalacion, 40x40x40 cms

Impensable quedar fuera de la la lucha antifascista. Ahora y siempre.

Gen Rosso
Hacedor

Íñigo Araújo

LAS FLECHAS NO SOLO BUSCARÁN TU VIDA DESDE EL FRENTE, TAMBIÉN DESDE TUS ESPALDAS

Acrílico, linograbado y técnica mixta


La frase la pronuncia Asaji, la versión de lady Macbeth que Kurosawa nos muestra en su película Trono de sangre.
La obra ilustra, en el marco de la censura y la represión, la censura positiva que protege habitualmente a la casa real, con la habitual imagen almibarada e ideal que se nos ofrecen la gran parte de los medios de comunicación.

En concreto el punto de partida es el número que dedicó la revista Tiempo en junio de 2017 a la princesa de Asturias con el siguiente titular en portada: “Así es la futura reina de España. Lee a Stevenson y Carroll, le gustan las películas de Kurosawa, domina el inglés y tiene una perrita llamada Sara.” Cualquier adulto que conozca la filmografía de este cineasta sabe que una niña de su edad no es capaz de apreciar su significado y si lo fuera… Bueno, si lo fuera podría entonces ser perfectamente protagonista de esta obra y mandaría cortar la cabeza de sus adversarios y la perrita Sara mordería la mano que le da de comer.

Una serie de elementos pertenecientes al universo de las películas Trono de sangre, Yojimbo y Ran sirven para componer una obra con tres lienzos principales (70x140 cm, 50x125 cm y 65x140 cm) alrededor de los cuales orbitan otras piezas más pequeñas que representan la censura, la tergiversación de las noticias que intentan dirigir nuestro pensamiento y la represión que suponen la sobreprotección de una institución y la vulneración del principio de igualdad.


Íñigo Araújo
Burgos, 1975. Lleva desarrollando en los últimos años una intensa la creación artística. En 2009 participa junto a Igor Torres con la instalación Banquete negro en la muestra Congelarte organizada por la universidad de Burgos. A partir de 2011 retoma el trabajo con acuarela y muestra algunas de sus obras en la exposición colectiva Salón de otoño en la Galería IT. Durante la etapa en la que vivió en Casablanca entre 2012 y 2014 frena el ritmo de su producción, aunque sin llegar a parar del todo, y desde su vuelta a Burgos ya no abandona los pinceles.

En septiembre de 2015 comienza a exponer, en marzo de 2016 presenta una muestra de su trayectoria en el Consulado del Mar de Burgos y a partir de ahí tiene la oportunidad de participar en otras exposiciones colectivas además de intentar probar suerte en algunos certámenes. Entre octubre y noviembre de 2017 expone en Código UBU su sus últimas obras bajo el título de Parirás con dolor. Acuarela, acrílico, lápices de colores y pastel son técnicas con las que se siente cómodo. Desde finales de 2016 experimenta con el grabado y la estampación en el taller del Espacio Tangente. Autor realista que puede llegar al hiperrealismo, desarrolla a partir de este estilo una obra conceptual que dialoga con el público.



Isabel G. de Diego

NO VIOLENCIA CONTRA LA MUJER

Dibujo sobre papel cartón con acuarelas, 22 x 15 cms



Isabel G. de Diego
Escritora, dibujante y fotógrafa.
Autora de trece libros de Poesía y Narrativa, habiendo publicado en revistas de España y del extranjero. Es miembro de CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos).

Javier Álvarez

ESPECIAL MASA NEGRA

Teletexto

Videncia real

FACE THE EX-WORLD AT YOUR FINGERTIPS

Teletexto

Una ucronía en teletexto





Javi Álvarez
Colaborador de Espacio Tangente desde el 2002.

>
poderesmentales.com

Javier Álvarez Cobb

ORBAN

Impresión digital a partir de fotografía digital.Blanco y negro. 50x50 cm




Javier Álvarez Cobb
Burgos, 1953, técnico en artes plásticas y diseño. EA. Burgos.



J.Basconcillos

CAGÜENDIOS

Infografía


"No ofende el quiere sino el que puede. El mensaje de la ilustración podría ser ofensivo para los creyentes, pero está escrito en Braille sin relieve, por lo que casi nadie puede descifrar su significado. ¿Puede censurarse lo que no se entiende?"


QUEREMOS LIBERTAD DE EXPRESIÓN

Infografía

¿Es libre el que se siente en la obligación de declarar a todos su libertad?".


J.Basconcillos
Noartista

 

Jorge de El Cosaco

CONTRA SU REPRESIÓN

Impresión digital. 50 x 50 cm


Ayer, grises; hoy azules. La represión (policial) no ha cambiado sino de color. Toda transición supone perpetuar el Estado por encima de todo y, aunque lo veamos como una falsa transición, no pudo ser más verdadera.





Jorge de El Cosaco
Proyecto de propaganda y difusión libertaria. Un acercamiento [humilde] del diseño a colectivos libertarios (y a todas las personas en general) sin acceso o conocimientos de diseño.

>
http://www.elcosaco.org

@descansante
@el_cosaco_

Juan Carlos Gallego

82 AÑOS

Fotografía, 51 x 75 cms

"Ochenta y dos años de una posición de sometimiento es lo que me inspira la temática propuesta...pero como en toda situación de sufrimiento hay oculta una pequeña cuota de placer que mantiene a todxs impasibles e incapaces de cambiar nada. La dominación no tendría vida y significado sin el sometimiento, ambas actitudes coexisten en incómoda armonía. El goce les hace inseparables.

La escena que representa la foto es más honesta, no corresponde con el comportamiento real del español medio que disfraza su conducta de "normalidad y deber del ciudadano", que es lo yo considero verdaderamente enfermizo y perjudicial...
El poder abusando de la indefensión y el espíritu dócil trabajado durante décadas de esclavitud forzosa. El sometidx dependerá del poderoso y temerá emanciparse, por lo que buscará siempre quien le someta, y viceversa".

Juan Carlos Gallego
Fotógrafo de 42 años, hijo de la "transición" ja! Viviendo en Lerma (Burgos) desde hace diez años, la época más prolifera de mi vida.



Kevin Recuero

NI VOZ, NI VOTO

Collage acrílico y tinta china sobre papel. 21 x 28,5 cms

Para la convocatoria se ha realizado una obra nueva, mezclando esas texturas que representan el mundo convulso, extraño, diverso y desequilibrado en el que vivimos, mezclado con un retrato del actual rey de España. Esta, es una tradición que no es acorde al tiempo en el que vivimos, ya que el título y el retratado reflejan muy bien, cómo el poder, no electivo ni democrático, ha hecho mella en nuestra cultura y, sobretodo, en nuestro poder. También es un cargo del que muchos son partícipes en su aceptación y que conlleva cierta represión latente en la cultura y la imagen. Un poder que sigue estando vigente tras su imposición (o legado) desde la “larga transición".

En la obra, el Rey aparece bajo ese fondo convulso y aparece manchado en las partes principales para la democracia y el arte. Por un lado, de verde la boca, tapando la esperanza en un sistema político justo, y, por otro, de rojo en los ojos, anulando el sentido principal de la comunicación y de la sensación de estar y percibir.

Kevin Recuero
Desde 2015, el término "texturas" es el eje sobre el que gira mi trayectoria artística. Eje que pone al color y la forma como protagonistas de las obras. Teniendo como referente la esencia de las corrientes impresionistas y abstractas, entre otras, la forma y el simbolismo van a actuar al unísono con la intención de hacer composiciones con relieve. Por ello, en las obras que realizo, además de que sean un objeto de miradas, propongo jugar con lo abstracto, lo azaroso, lo colorido y su resalte, exponiendo obras que hacen "formas acrílicas". Para lograr dicha sensación plástica, utilizo, como técnica principal, el estampado de pintura en su forma negativa, sin saber realmente cual va a ser el resultado final.

A veces se mezclan los colores acrílicos, que forman sensaciones plásticas, con tintas aguadas, dando un fondo y una imagen principal e incidiendo en la mezcla, que puede ser armónica o no, de colores para entablar relaciones entre estos y sus formas y/o texturas. Relaciones que también se consiguen mediante la búsqueda de la sensación háptica.
Cuando observas una “Textura”, la propia técnica nos conduce a realizar conexiones y comentarios sobre su similitud con lo orgánico, relacionando el cuadro con las venas de nuestro cuerpo o con los nervios que conforman las hojas de los árboles. Nervios y venas que también crecen independientemente en nuestro cuerpo y en la naturaleza.

Por ello, el sentido de la obra es relacionarlo con lo orgánico a través de la expresión plástica, extraída de la propia naturaleza. Por esta razón, los colores y las formas se muestran alejados de la tierra, eliminando su relación colorística con la materia, pero conectándose a ella por la forma. Esto sucede también en las personas. Somos un cuerpo, entes que se mueven y viven, pero que cada vez más estamos abandonando nuestro color, nuestras raíces y nuestra conexión con la tierra y la naturaleza, en favor, pero en nuestra contra, de grandes urbes de asfalto donde se desarrolla la vida y la cultura actual.
Instagram: @texturendart

 

Colectivo Left Hand Rotation

MOVER EL ESQUELETO

Video/Apropiacionismo/Found Footage. Digital. Color.

"Mover el esqueleto" no es un musical. "Mover el esqueleto" es una no ficción de terror del colectivo Left Hand Rotation sobre la exhumación más mediática de la historia del Estado Español.

Colectivo Left Hand Rotation
Left Hand Rotation es un colectivo artístico en activo desde 2005 que desarrolla proyectos que articulan intervención, apropiacionismo, registro y manipulación de vídeo.
En cada una de las acciones del colectivo hay una fuerte consciencia de la importancia del registro audiovisual, tanto por su valor como captura en bruto, como por el potencial de cada clip de vídeo de convertirse en unidades de lenguaje cuya combinación y manipulación posibilita la transmisión de mensajes complejos a partir de detalles del cotidiano. La cámara no puede sino registrar el contexto específico en el que se sitúa. Es a través de esas capturas de lo local que el colectivo reflexiona sobre un sistema global complejo.

>
www.lefthandrotation.com

lefthandrotation.blogspot.com

Levi Orta

COPIA DE UNA OBRA DE FRANCISCO FRANCO VIAJA SEGURA POR TODA ESPAÑA

De la serie: Creación Política

Instalación. Acrílico sobre madera 70x76x66 cms
2014

Investigo el componente creativo dentro de lo político, centrándome en las imprecisiones de la frontera arte-política. Reproduzco mecanismos, estrategias y comportamientos propios de situaciones político-artísticas que han quedado archivadas, resaltando de esta manera su matiz más subversivo; siempre desde una postura cínica que atenta contra lo hegemónico.

Desde hace varios años investigo las incursiones de líderes políticos en el mundo del arte. En esta investigación uso el ejercicio de la copia como método analítico, una hoja de ruta para las constantes entradas y salidas de lo artístico a lo político y viceversa. Copia de una obra de Francisco Franco viaja segura por toda España, se centra en la figura del Caudillo, no con el único empeño de analizar su subjetividad a través de su obra artística sino con la intención aun mayor de revisar su vigencia en la política actual del Estado español.

Se muestra la copia de una obra pictórica de Francisco Franco preparada para itinerar alrededor de España . Esta instalación se exhibirá en diferentes centros de arte en España.





Levi Orta
Investigo el componente creativo de la política reproduciendo mecanismos, estrategias y protocolos usados por los políticos. Mi objetivo es remarcar, desde una postura cínica, irónica y satírica el tono más subversivo de estos comportamientos.
La copia, la apropiación, la edición, el archivismo, el camuflaje, y la instrumentalización son herramientas que uso regularmente para mostrar a través de una aparente calma escandalosos tópicos inherentes a las prácticas de la política.
Organizo mi trabajo en tres grupos metodológicos los cuales pueden reconocerse individualmente o combinados en cada proyecto:
La réplica analítica consiste en reproducir en el campo del arte fenómenos existentes en la esfera social o política. Estas reproducciones actúan como una lupa que permite analizar desde una perspectiva crítica sus múltiples capas y conexiones que en el día a día son normalizadas.
Colección de síntomas es el método de acumular documentos, fotografías, objetos e incluso obras de arte producidas por políticos para mostrar un comportamiento ideológico. Individualmente estos síntomas son solo noticias pasajeras en la prensa pero cuando se acumulan mediante mis colecciones se transforman en una herramienta para leer ciertos usos de la política.
Juego de roles aparece en mi trabajo cuando uso mi estatus social como artista para acercarme al objeto de mi investigación. Actuar diferentes roles me permite vivir nuevas experiencias de vida mientras creo pensamiento crítico.



María Cañas

LA MANO QUE TRINA

Vídeocreación, 11 minutos

La vida es eso que pasa mientras miramos el móvil. Pronto no necesitaremos leer ni hablar idiomas, nos bastará con saber aullar. La mano que trina es un muestrario sobre el lado oscuro de la tecnología, el sentimiento de "tecno-paranoia”, la religión del selfie, Gran hermano hoy, las “tecnopatías”, la demencia digital, la obsolescencia programada, la e-waste, el “poshumanismo”... es una sátira sobre cómo los smartphones, las tablets y los ordenadores están acabando con la poca masa crítica (por no decir con la poca masa gris) de nuestra sociedad, cada vez más banal e infantilizada, en gran parte por culpa de la “smartphone´s addiction”.
Reflexiona además sobre el camino meteórico hacia una “datificación” total, y es que tal vez nos estemos convirtiendo en datos a merced y bajo el control de megacorporaciones en las que no prima el arte ni la libertad de los usuarios si no el afán de lucro salvaje y voraz, en una época de vértigo, en la que ya no hay tiempo para ver, leer y escuchar con atención crítica...

Si a mediados del siglo XIX Karl Marx preconizó la alienación vital y laboral de los trabajadores (aplastados por la cruel bota del capitalismo), la alienación -triste y falsamente hedonista- del público en nuestro siglo sólo puede provenir de la dictadura de los bien llamados smartphones (y digo bien llamados, porque obtienen su ingenio de las neuronas que les chupan a todas horas a sus felices e ingenuos propietarios, así que tampoco sería impropio definirlos como “cibervampiros” neuronales).

Los dispositivos electrónicos han conseguido atomizar a la sociedad. Ya casi nadie escucha un disco al completo, la música se vende por canciones sueltas. Reflexionando desde la “tecnoparanoia”, parece que alguien se ha puesto a aplicar aquella máxima de divide y vencerás, o mejor: atomiza y tendrás una multitud de individuos solitarios, dóciles y cobardes.
Nos pasamos todo el día obsesionados con las últimas tecnologías y la noción de nuevo es impuesta por el mercado, para que consumamos más y pensemos menos y creamos que somos muy modernos. La digitalización exige un reciclaje no sólo tecnológico, sino también ecológico, ético y creativo.

Después de ver esta instalación, ten por seguro que nunca volverás a contemplar Internet o tu smartphone con los mismos ojos.

María Cañas
María Cañas aka La Archivera de Sevilla. Caníbal e iconoclasta audiovisual, mitómana, peliculera, salvaje mediática, cibergarrula... Practica una “videomaquia” (cinefagia militante) que se introduce en los tópicos y géneros para dinamitarlos. Dirige www.animalario.tv, un lugar dedicado al reciclaje, apropiacionismo y experimentación artística en variados campos: videocreaciones, videoclips, instalaciones, fotomontajes, televisiones online, proyectos en internet... Una frase de Bukowski que saldría de sus labios: Cuando todo se iba al carajo, siempre estaba la poesía para salvarme el culo
.

María Cerdá Acebrón

CORO

Instalación sonora multicanal
Grabación y postproducción: Federico Schmucler
2016

La instalación está basada en las canciones interpretadas previamente por un coro compuesto por descendientes del exilio republicano español en México. Las melodías corresponden a sus recuerdos familiares, canciones de guerra transformadas en cantos de cuna o en recuerdos de viajes familiares.

La propuesta fue que cantasen únicamente las partes que recordaban de las canciones para hacer un esfuerzo de memoria con la propia canción memorizada, ahora ya descontextualizado de su lugar de origen.


AYER JUGAMOS AL TELÉFONO DESCOMPUESTO

Vídeo dos canales. 20 min
2014

El proyecto comienza con el interés de recuperar las historias orales que van transcurriendo de generación en generación y solo persisten en formato oral. En un contexto especifico de los familiares de exiliados republicanos españoles, el juego del teléfono descompuesto propone ser una metáfora de las memorias, tanto de las historias transmitidas en las familias como en la manera en que los relatos hegemónicos quedan instalados como verdad.
Los participantes se han entrevistado conmigo. Algunas de las frases de la entrevista son las frases con las que después se juega al teléfono descompuesto. Las preguntas son en relación a los recuerdos de la infancia con respecto a sus familiares mayores.

En una necesidad por repensar nuestros pasados recientes y su resignificación en el presente, comencé a trabajar con la memoria del exilio republicano español en México focalizada en la tercera generación.
Desde hace varios años he desarrollado una investigación teórica y visual llamada Recuerdos del futuro (2012-2018). Un proyecto que reflexiona sobre la supervivencia de las imágenes del exilio republicano español en México a través de los descendientes de tercera generación.
Las obras que forman parte de este proyecto parten de la búsqueda de pensar la construcción de la política en la esfera de lo doméstico. Es decir, pensar la historia familiar como espacio de politización y herencia de los traumas o de las luchas o causas no resueltas. Es decir, qué imágenes reaparecían en los descendientes para constituirse como seres politizados.

La base de las piezas parte de material de entrevistas a los descendientes.
Las entrevistas las concibo como ejercicios para performativizar la memoria. Esto lo entiendo como la capacidad de evocar recuerdos que al reiterarlos toman forma en el espacio de la escucha y así en estas narraciones colectivas-compartidas, reaparecen distintas densidades y capas que articulan la imágenes que sobreviven y el hecho de ponerlas en común permite articularlas desde diferentes experiencias para traerlas el presente.
Es decir, poner en juego los imaginarios de los relatos a través de collages-dibujos para generar otra posibilidad de contar lo narrado a través de mi propia imaginación para continuar esos relatos. Esto tenía que ver con contraponer los imaginarios del recuerdo, entre una memoria estática, con poca o nula incisión en el presente, a otra que dada su naturaleza de “gesto político” podía llegar a ser una acción que se activaba en nuestro presente y por lo tanto incidir con un cuestionamiento actual.


María Cerdá Acebrón
Madrid 1984. Vive y trabaja en México D.F. Es artista visual, investigadora y docente. Actualmente es coordinadora de la Escuela de Artes y Oficios en la UAM Cuajimalpa, dónde también desarrolla y programa proyectos culturales con enfoques interdisciplinarios. Fue becaria de programa Conacyt en el Posgrado de Ciencias sociales y humanidades de la UAM donde desarrolló un proyecto transdisciplinario sobre la memoria visual de exilio republicano español en las terceras generaciones. Fue becaria del programa Soma PEC ambos en México, D.F. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, 2010. Cursó estudios en la Universität der Kunste Berlín, ciudad en la que residió durante dos años. Premio Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid 2011 y Archivo Intransit Jóvenes Creadores Complutense 2011. Formó parte del proyecto La galería de comercio desde 2011. Su obra se ha presentado en México, España, Argentina, Francia, Alemania, Holanda e Inglaterra.

Declaración de artista
Como bailarina en días pares y antropóloga casera de profesión, me deslizo en los márgenes de las prácticas visuales y los pensamientos.
Las investigaciones e intereses que abordo en mi obra toman cuerpo desde; un archivo personal de recortes de imágenes, la literatura, el cine, la coreografía y la pedagogía. Todos ellos conformados por una inquietud en cuestionar las narrativas hegemónicas del pasado. Está busca generar nuevos imaginarios y testimonios que muchas veces no ha sido contados por quedar disueltos en el polvo de la historia.
Mi práctica artística se vincula a procesos donde la potencia de la experiencia colectiva se vuelve parte de la obra. Es decir, obras que exploran la performance como medio para activar memorias y repensar ciertos relatos históricos en nuestros presente. Desplegada en diferentes formatos, como talleres, fanzines, collages, videos, audio, juegos, acciones, mi obra gira en torno a la interacción de personas y comunidades.

 

Mario Gutiérrez Cru

BANDEIRAS PRETAS: SPAIN

Vídeoinstalación tricanal HD + bandera negra
2013

Intervención en el paisaje urbano de la ciudad de Jaén, del artista Mario Gutiérrez Cru continuando con sus obras anteriores en las que de manera metafórica tachaba, borraba conceptos de identidad y de patria. En esta ocasión cambió la bandera de España por una "bandera negra", apolítica, afronteriza, simplemente un vacío de nacionalidad en un mundo universal, totalitario, totalmente unificado, donde el individuo está acotado y la posibilidad de cambio, mutilado.

La intervención realizada con permisos de la delegación de cultura y policía fué censurada. Tres horas después de la misma, tras una serie de conversaciones entre el concejal de cultura, alcalde, director de la feria David Martínez y policía, la bandera fué quitada por parte de los bomberos esa misma noche y un coche de la delegación de cultura se desplazó a recoger la bandera de España a los aposentos del artista a las 23.30h de esa misma noche. A la mañana siguiente, volvía a ondear el símbolo patrio.

El hecho fue callado y los periodistas que filmaron y fotografiaron la acción no pudieron publicarla al día siguiente, así como la entrevista realizada momentos antes de la acción para una televisión andaluza, fue capada cuando Mario Gutiérrez Cru iba a explicar las razones de su acción. Sólo 2 días después todos los periódicos hicieron eco de lo sucedido y el propio alcalde amenazó con poner una multa, a pesar de como decíamos, tener todos los permisos y estar en todos los programas. Los permisos eran para poner banderas negras en plazas de las ciudades no para quitar las de España.

El artista recuperó de los bomberos la "bandeira preta" que junto a las grabaciones realizadas por varios equipos profesionales forman parte de la videoinstalación, que con la acción y el objeto (Bandera), así como todo la información y revuelo que ha causado, dan sentido a la pieza.
La acción parte de trabajos anteriores en los que el artista ha trabajado los últimos años (2009-13) en los que ha intervenido periódicos, mapas, fotografías borrando símbolos, informaciones, publicidades y contextos.


Mario Gutiérrez Cru
Hablar de arte es hablar de vida, de acción, de estar en el mundo. Es cuestionarse todo. Desde qué está pasando, hasta que estoy haciendo, por y para quién.
Desde que pintar o dibujar dejaron de tener sentido sin un mensaje que transmitir, sin una pregunta que hacer, ya todo cambió, nunca más fue lo mismo. Kounnelis me enseñó a oler, sentir, quemarme, y sobretodo, que existe la censura, también en el arte.

Desde entonces, aprendí a imaginar que las obras son abiertas y que es el espectador quien tiene que construirlas en su cabeza.
Kabakov me enseñó a querer volar, Beuys a querer caer, Turner a querer perdarme, Rybczy?ski a multiplicarme, el vacío lo tuve que aprender yo sólo.
También, que no hay obra sin espectador, por eso mis primeras obras hablaban de ese deambular, de ese ser anónimo y creador intrínseco, de trayectos a ningún lado, comunicaciones cruzadas, caminos sin objetivo.

Después me obsesioné con las cámaras de vigilancia, el control visual, sonoro. El poder del panóptico que todo lo observa, que nos juzga. Eso me llevó a los sistemas de poder, a las banderas, las fronteras... himnos vacuos, ajenos, atemporales. Dinero y Poder, control y sistemas de protección.
Calçada portuguesa como símbolo de gentrificación, coches de la guardia civil y micrófonos apagados como iconos del actual -estado de la nación-.
El arte como herramienta política, como herramienta poética, como diría Francis Alÿs.



Mario Santamaría

FOG <SCRIPT>

2015 - on going

El Estado español aprobó el 26 de Marzo del 2015 la nueva Ley de Seguridad Ciudadana (Ley mordaza). Esta ley limita el derecho de reunión y manifestación, así como se pena la comunicación y difusión de las manifestaciones no autorizadas. "Niebla <Script>" es una aplicación informática que genera y difunde reuniones en lugares de transito público. El sistema produce convocatorias de forma aleatoria y las publica en redes sociales sin la intervención de ninguna personas físicas o jurídicas.
Twitter: https://twitter.com/Niebla_Script
Facebook: https://www.facebook.com/Fog.script/

Mario Santamaría (Burgos, 1985)
Vive y trabaja en Barcelona
Licenciado en Bellas Artes y graduado en el Máster en Artes Visuales y Multimedia por la Universidad Politécnica de Valencia. Ha realizado residencias artísticas en centros como Art3, Valence (2017); Hangar, Barcelona (2014-2016); Hisk, Gantes (2016); Kunststiftung Baden-Württemberg, Stuttgart (2015); Flax Art Studios, Belfast (2014) o Sarai, Nueva Delhi (2012) entre otras. Recientemente ha sido finalista en el Post-Photography Prototyping Prize organizado por Fotomuseum Winterthur.

Entre sus exposiciones colectivas destacan: Una Cierta Oscuridad, CaixaForum Barcelona (2018); No secrets!, Münchner Stadtmuseum (2017); Infosphere. ZKM Karlsruhe (2015); Apuntti, La Casa Encendida, Madrid (2015); Especies de Espacios. MACBA, Barcelona (2015); The Act & the Tracer. WKV Stuttgart (2015); Look into the net. Edith-Russ-Haus, Oldenburg (2014); Fuga. Fundació Antoni Tàpies. Barcelona (2013) y Sarai Reader 09. Devi Art Foundation, Gurgaon, India (2012).

Mercè Jara Muns

NUESTRO PAN DE CADA DÍA

Conjunto de piezas en ceramica.
Medidas por pieza: 20x17x15 cms aprox

Esta obra es una reflexión sobre el cuerpo de la mujer como material censurable y privado de libertad, tanto en imagen, concepto y cuerpo físico. El sistema regula, la utilización del mismo en todos sus terrenos : determinando la idea de mujer, difundiendo e imponiendo unos canones de normalidad, comercializando y sexualizando su imagen solo en pos de la economia capitalista, censurando su libre expresión sexual en las redes virtuales y limitando su autodeterminación mediante leyes como las de aborto. Resulta contradictorio como estando tan explotada comercialmente la imagen de la mujer, se censuren a diario en redes sociales como Instagram las obras de artistes y periodistes que muestran el cuerpo femenino. El cuerpo es un material conformado solo para su uso, realidades como la menstruación siguen siendo opacadas y distorsionadas por los medios y el sistema social patriarcal.
Todas estas contradicciones actúan como límites que conforman nuestra existencia, como un molde actúa de limite para dar forma al Pan, una forma que no le es natural si no que le es impuesta.
La obra muestra una serie de moldes en forma de vagina que serán usados para hacer pan.
Nuestro pan de cada día quiere dar de comer a todo el mundo un poco de esta contradicción, hermosos chochos de pan serán servidos con salsa roja para que nadie olvide la parte mas incomoda de la situación.

Mercé Jara Muns
Artista interdisciplinar que combina materiales y técnicas variadas como las del dibujo, la creación digital, el sonido, la escultura y especialmente la cerámica, explorando un uso mágico de la forma y su función. Una aproximación a la realidad y el conocimiento desde la magia, de lo cotidiano a lo extraordinario.

>
www.mercejaramuns.com
@mercejaramuns

Miguel Sánchez

LIBERTAD DE EXPRESIÓN

Impresión digital


Miguel Sánchez
Artista anónimo



Mórbido

Mórbido
Lleva más de 20 años realizando collages creativos y composiciones visuales con una visión crítica de la realidad, local, nacional o internacional. Imprime un solo ejemplar tamaño poster que se exhibía en bariwana, Burgos.

>
www.morbido.blogspot.com.es

 

Noaz

EL MONO

Impresión digital



ESTADO ESPAÑOL

Impresión digital

Según la A.R.M.H. "España es el segundo país del mundo en número de desapariciones después de Camboya, con 114.226 hombres y mujeres que permanecen en fosas comunes, algunas con más de mil personas dentro, sin haber sido identificados y enterrados dignamente por sus familias"



Noaz
Desde una formación ligada al diseño gráfico, Noaz (Madrid, 1978) lanza sus propuestas artísticas a modo de grandes contracampañas, empleando las mismas herramientas que toma la publicidad y la propaganda, crea nuevos imaginarios para el espectador. En este sentido, Noaz se sirve de sus conocimientos de diseño, publicidad y marketing para crear de forma independiente, imágenes que plasma en las calles. Para ello, utiliza una gráfica que podría confundirse con una campaña al uso, aunque con contenidos muy claros y directos que nunca emplearía una marca o un partido político.

A través de materiales como carteles, vinilos o pegatinas, además de pinturas murales en las paredes del espacio urbano, interviene de forma independiente, añadiendo imágenes que retratan nuestro país y acontecimientos de carácter político o social que nos llegan a través de los medios de comunicación de una forma fragmentada. Noaz en sus intervenciones ha retratado a problemáticas y conflictos de carácter internacional, ha configurado imágenes para manifestaciones y lanzado grandes contrachapadas en el espacio público protagonizadas por diferentes sucesos actuales que requieren una revisión.

Ana García Alarcón (Doctora en Historia del arte, investigadora, comisaria, gestora cultural)
Texto para la exposición “Arte VS Publicidad. (Re)visiones críticas desde el arte actual”. 2016


>
https://www.flickr.com/photos/noazmadrid

Nuria Güell

TRANQUIMAZÍN

En colaboración con Amadeu Casellas

Pieza sonora, 7:55 minutos
España, 2011 (re-edición 2018)

En 2011 usé una conferencia para retransmitir en directo la llamada telefónica de un preso bajo régimen de aislamiento (FIES 1). El preso denunció la situación en la que viven los reclusos y acusó al público de la conferencia de complicidad.
Para esta ocasión, siete años después, he repetido la acción con el mismo preso, que vuelve a estar encarcelado, sin haber sin juzgado y usando como agravante el uso que él ha hecho de su libertad de expresión.
Los enormes edificios de la institución penitenciaria dividen a la sociedad en dos, y esa división no es entre legal e ilegal o entre inocentes y culpables, como pretende la ficción judicial. Como nos muestra el contexto socio-político de la España contemporánea, reducir los delitos no es más que su pretexto. ¿Quizás su función no es más que prolongar su existencia con el único fin de legitimar el poder que dicta las reglas?

Nuria Güell
La práctica artística de Núria Güell consiste en analizar cómo los dispositivos de poder afectan a nuestra subjetividad sometiéndola a través del derecho y la moral hegemónica.
Los principales recursos que utiliza son el coqueteo con los poderes establecidos, la complicidad con diferentes aliados y el uso de los privilegios que tienen las instituciones artísticas con las que trabaja, así como los que le son otorgados socialmente por su condición de española y europea. Tácticas que, diluyéndose en su propia vida, desarrolla en contextos específicos con la intención de cuestionar las identificaciones asumidas y provocar una disrupción en las relaciones de poder.



Pablo del Barco

ENTRE ODIO Y AMOR

Poema visual. Impresión digital

Pablo del Barco
Burgos, 1943. Dr. en Filología Española, Profesor de Literatura Española en la Universidad de Sevilla (1976-2006). Ha ejercido la crítica literaria en periódicos y revistas –El País, Informaciones, Cuadernos Hispanoamericanos…- Es investigador literario sobre las figuras de Manuel y Antonio Machado, y autores del Modernismo Portugués (Pessoa, Almada Negreiros) y Brasileño (Machado de Assis, Drummond de Andrade, Cabral de Melo Neto, Murilo Mendes).

Ediciones: * Canciones amorosas de Ripoll (Versión y prólogo). Madrid, Gisa, 1976. * Fernando Pessoa: Poemas de Alberto Caeiro. Madrid, Visor, 1980. * Cartas a los Machado. Sevilla, Archivo Hispalense, Diputación Provincial, 1981. * Antonio Machado: "Juan de Mairena" y "Apuntes inéditos". (Edición y estudio comparativo). Madrid, Alianza Editorial, 1981. * João Cabral de Melo Neto: La educación por la piedra. Madrid, Visor, 1982. * Manuel Machado: Alma. Ars moriendi. Madrid, Cátedra, 1988. * Carlos Drummond de Andrade: Itabira (Antología). Madrid, Visor, 1990. * Machado de Assis: Don Casmurro. Madrid, Letras Universales, Cátedra, 1991. Círculo de Lectores, 2000. * Las Sevillas de Manuel Machado. Sevilla, Publicaciones del Ayuntamiento, 1997. * Ferreira Gullar: Poema sucio. Madrid, Visor, 1998. * Antonio Machado: “Juan de Mairena” Ed, Junta de Andalucía. Sevilla, 1999. * Antonio Machado: “Juan de Mairena” (Antología), Sevilla, Ed. Renacimiento, 2000. * Antonio Machado: “Juan de Mairena, Madrid, Alianza Editorial, 2004. Manuscritos de los Hermanos Machado (R. Alarcón, A. Rodríguez Almodóvar), Málaga, Unicaja, 2004.

Rachel Merino

CONMEMORACIÓN A LA DESMEMORIA

Placa conmemorativa de aluminio y madera de nogal grabada. 24 x18 cms

En nuestro país sabemos mucho sobre silencios.
La violencia es un comportamiento deliberado entre sujetos que se manifiesta en la voluntad, acción y amenaza de hacer daño y someter al otro.
Puede ser de distintos tipos, físico, verbal… aunque también puede ser ejercida a través de silencio e inacciones. Puede ser ejercida sobre un individuo sobre una colectividad.
Con el objetivo final de mermar las capacidades y potencialidades presentes y futuras...
La pieza fue realizada para el proyecto Expolón de este año, que tenia como tema central la violencia en nuestra sociedad... fue robada...así que estoy produciendo otra.


Rachel Merino
Artista plástica y gestora cultural. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de la Laguna.
Tras recorrer varias universidades nacionales para especializarse en escultura. Se interesa cada vez más por la gestión de proyectos culturales,realiza un máster en la Universidad Politécnica de Valencia, UPV de producción artística dirigido hacia comisariado de exposiciones. Poco después se estrena dirigiendo el festival Solariegos, un proyecto de arte contemporáneo que implica a 7 localidades de la comarca Odra Pisuega, Burgos.De ahí empieza sus andanzas por el territorio nacional y la gestión de diferentes proyectos culturales y expositivos.

Defensora del poder transformador que tiene la cultura aboga por la democratización de esta, lo cual la ha llevado a poner el foco las zonas rurales y periféricas, temas recurrentes en su obra y en sus intereses artísticos. Como muchos de los artistas de su generación termina sus estudios en plena oleada de la crisis económica, que aun asola nuestra sociedad. Un entorno que invitó a todos los jóvenes a emigrar,ella decide nadar contra corriente y establecerse en Burgos. Donde crea junto a un grupo de jóvenes artistas el colectivo sio2, una asociación que nace con la idea de ser una plataforma de despegue para jóvenes artistas emergentes
de la ciudad. A través de ella participa activamente en la programación cultural burgalesa y trabaja creando redes con distintos artistas y proyectos nacionales.

 

Ramón Churruca

"CON FRANCO HABÍA CENSURA Y AHORA HAY NINGUNEO.”
(Cita de Isaac Montero. Escritor)


Técnica mixta. Libros, comics, artículos de prensa

Ramón Churruca
Es un artista que no existe.



Reverendo

VIGILA(N) TUS PALABRAS

Acrílico y espray sobre lienzo. 80 x 180 cms

Ricardo Blackman

ANATOMÍA DEL SILENCIO

Impresión digital

Estamos acostumbrados a ver imágenes, que, por su condición de habitual, nos resultan trasparentes. Su permanente ex- hibición hace que pasen desapercibidas a nuestros ojos. Éste es el primer síntoma de la amnesia esclerótica a la que nos estamos acostumbrado.
La tortura, la guerra, la discriminación, la pobreza, el abuso o la injusticia social en general, pasan ante nuestros ojos con demasiada frecuencia, haciendo que nuestros sentidos se vuelvan insensibles, muchas veces, a cuestiones que circulan muy cercanas a nosotros.

Con Anatomía del Silencio quiero narrar a través de metáforas, sucesos o estados en los que el ser humano es sometido a pruebas de resistencia radical, sin que se percate de ello, al hallarse inmerso en un ámbito “cordial” propiciado por la política, la religión, los medios de comunicación, la economía y diversos agentes sociales, y cuya principal pretensión es formar un aglomerado de seres humanos liso, carente de fisuras, y que obvie los márgenes “defectuosos” de este mapa cada vez más complejo: para ello se censura, para reprimir los sentidos y, con ellos, una vez reprimidos, la facultad de pensar.

He preferido expresar todo esto a través de unas láminas de frialdad académica; unas láminas de anatomía casi forense que describen, brevemente, funciones de órganos y sistemas, el origen de los sentidos, y cuyo actor principal es un frágil cordero desollado.
El contrapunto lo pone el entorno y su contexto.



Ricardo Blackman
Licenciado en Historia. Universidad de Valladolid.1987
Licenciado en Comunicación Audiovisual. Universidad de Burgos. 2007

 

Santiago Sierra

LONA 600 x 400 cms

Santiago Sierra
La obra de Sierra intenta visibilizar la perversidad de las tramas de poder que fomentan la alienación y explotación de los trabajadores, la injusticia de las relaciones laborales, el desigual reparto de la riqueza que produce el Capitalismo y la naturaleza perversa del trabajo y el dinero, y las discriminaciones por motivos raciales en un mundo surcado por flujos migratorios unidireccionales —Sur-Norte—.

Retomando y actualizando algunas estrategias propias del Minimalismo, el Arte Conceptual y la performance de los años setenta, Sierra interrumpe los flujos de capital y mercancías —Obstrucción de una vía con un contenedor de carga, 1998; Persona obstruyendo una línea de containers, 2009—, contrata a trabajadores para desvelar su situación precaria —20 trabajadores en la bodega de un barco, 2001—, explora los mecanismos de segregación racial que se derivan de las desigualdades económicas —Contratación y ordenación de 30 trabajadores conforme al color de su piel, 2002; Estudio económico de la piel de los caraqueños, 2006—, e impugna los relatos que legitiman una democracia sustentada sobre la violencia de estado (Veteranos de las guerras de Camboya, Ruanda, Kosovo, Afganistan e Irak de cara a la pared, 2010–2; Los encargados, 2012).



SEPA

PARA PODER CONTROLAR HACE FALTA ASEGURARSE DE QUE SE IMAGINA IGUAL

POLÍTICOS, ¿TENÉIS UN CIGARRO?

Carteles de papel escritos con pintura acrílica negra

SEPA
Es un personaje misterioso del que durante largo tiempo se desconocía su identidad. Desde hace más de cinco años, su trabajo ha consistido en introducir carteles con breves mensajes de carácter absurdo, poético, humorístico y/o filosófico en el espacio público. Estos pretenden, durante al menos un segundo, desorientar las neuronas del lector y ponerle a pensar en nuevas direcciones.

El carácter efímero de la propuesta hace que sus intervenciones tengan una longevidad variable que oscila entre años y horas. El formato es extremadamente básico. Fondo blanco, letras negras. Lo elaborado son las ideas, los conceptos la manera de utilizar el lenguaje y los juegos que propone en sus breves pero condensados textos. que abordan temas como filosofía, psicología, química, animismo, política, ciencia, mitología, internet o galaxias.
Su trabajo ha sido recopilado en diversas publicaciones y expuesto en galerías y centros de arte, pero sobre todo está en la calle.

Susana Rioseras

LA INFAMIA NEGADA
“RAÍCES DE LA MEMORIA”

Piedra caliza y hierro
Noviembre
(2011-2018)


Hace 7 años, con motivo del 75 aniversario de la incorporación de Brigadas Internacionales a la defensa de la democracia en la contienda antifascista de defensa popular ante el Golpe militar del 36 en nuestro país, y de la vergonzosa conversión y apertura del Monasterio de San Pedro Cardeña (Burgos) como Cárcel-Campo de Concentración franquista, por donde pasaron cerca de 1000 Brigadistas Internacionales desde 1936 hasta 1940, diferentes personas y colectivos de Burgos, organizamos unas Jornadas Homenaje Recuerdo en noviembre de 2011 hace ya 7 años.
La escultura realizada por Susana Rioseras para la ocasión, se enmarcaba en la línea de los diferentes actos que a nivel estatal se iban a realizar en Madrid el 20, 21 y 22 de Octubre(colocación de un monolito en la Universidad Complutense) y Barcelona el 27, 28 y 29 de Octubre (congresos y charlas), para seguido instalarla en Burgos durante los días 4 y 6 de noviembre de 2011 en los actos homenaje.

Esta pieza donación de la autora y de los diferentes colectivos organizadores, a pesar de los exahustivos e insistentes esfuerzos administrativos ante las trabas burocráticas que nos plantearon, no se permitió ubicar en el entorno del Monasterio para el que estaba ideada de forma definitiva, así que se colocó de forma provisional la fecha del Homenaje para ser retirada a continuación en espera de su aprobación.

El 26 de septiembre de 2011, se presenta la la primera documentación ante la Sección de Patrimonio Histórico, un dossier elaborado por la autora, donde se expone detalladamente el proyecto. El 14 de octubre se nos requiere de Patrimonio para la presentación de un informe más completo. Se envía un nuevo proyecto, más ampliado, el 18 de octubre. A la vista de lo expuesto, la Comisión acuerda solicitar nuevamente ampliación de documentación con diferentes propuestas de ubicación en torno al Monasterio.
Las inagotables gestiones siguientes para lograr instalarla definitivamente en su marco, la extensísima documentación enviada en forma de cartas, dosieres, informes, etc., enviados a la Diputación Provincial, a la Junta de Castilla y León, al Servicio Territorial de Patrimonio, jamás dieron sus frutos, objeción tras objeción hasta la dejación final, en los responsables del Monasterio. De nada sirvió enviar sucesivos informes y propuestas, concertar varias reuniones con los monjes responsables del Monasterio e incluso con los alcaldes de los pueblos circundantes, hasta el día de hoy.
Aquí queda la memoria impune y obscenamente censurada, borrada, silenciada y ocultada, pero constatada en esta pieza, al igual que en tantos símbolos-metáforas de miles de casos que desde la autoridad fascista, pretenden silenciar nuestra historia reciente.

Las distancias que separan al Monasterio de San Pedro Cardeña, de 20 de las 40 ciudades de origen de los Brigadistas Internacionales allí torturados y encerrados durante el golpe y la dictadura fascista, grabadas en las 20 losetas, coronadas con su símbolo en forma de raíces, que conforman esta escultura, son la muestra de la distancia que separa aún a día de hoy al poder actual heredado del genocidio franquista, de la dignidad y unión del pueblo en su solidaridad internacionalista a través de la lucha por su libertad. Miden la gran distancia que permanece hoy intacta, entre la verdad y la infamia de la mentira continuada y mantenida aún por el poder, desenmascarada en las negativas reiteradas del reconocimiento exigido a nuestra memoria, por la gran mayoría de voces dignas, desde la justicia por la que seguiremos luchando.

Susana Rioseras
De mi interdisciplinar e indisplinada y poco o nada ambiciosa práctica artística , hasta el momento, destacaría el interés en la investigación teórica y práctica, de muy variados lenguajes artísticos metafórico-poéticos que intenten reflexionar críticamente, desde la recreación, descontextualización, resignificación, deconstrucción, ridiculización, reiteración y provocación , acerca de los discursos hegemónicos que el poder heteropatriarcal capitalista androcéntrico, impone histórica, política, sexual, social y culturalmente como fascistas dogmas de fe para el interiorizado sometimiento de nuestras comunidades y entornos contemporáneos hacia la sinrazón.

En muchas ocasiones, como en este proyecto, creo que no lo consigo y los intentos se quedan en una puntual y mera propuesta excesivamente estética, simbólica, objetual y visual, que a través de lenguajes plásticos: fotografía, dibujo, escultura ...etc., pretenden reflexionar sobre la dignidad, la belleza y la memoria arrebatada y recuperada, sobre los propios lenguajes políticos y poéticos, y especialmente sobre las miradas, pues algunas de mis propuestas, como Las Raíces de la Memoria. Estepar, no se por que, no surgen tanto para ser miradas , sino como para mirarnos...

 

Torreti

AQUÍ NO RAPEA NI DIOS

Impresión digital 40x70 cms


Torreti
Artistontis



United Unknown

PORNLITICS, LA ERÓTICA DEL PODER

Revista, 44 páginas

Una revista satírica sobre política española, un relato humorístico de relaciones, hechos destacados y escándalos varios. Un único número con 44 páginas de irreverencia y desparpajo a todo color, con toneladas de banderas, nacionalismos varios, másters, urnas y dinero, mucho dinero. La revista Pornlitics pretende explorar de manera satírica las similitudes entre la imagen pornográfica y la política, la relación entre sexo y poder, y los límites del imaginario erótico arraigado en la sociedad patriarcal.

United Unknown
United Unknown es un grupo de personas anónimas que utilizan el activismo visual y la sátira política como arma de subversión masiva, dando respuesta a las actuales condiciones geo-políticas, sociales, a las prácticas económicas y a los desafíos medioambientales.

Zaba con Nografía

BIENVENIDA

Intervención. Fotografía


 


Centro de Creación Contemporánea ESPACIO TANGENTE / Valentín Jalón 10, bajo / 09005 / Burgos / 34 947 216 127